Les autoportraits hantés de la artiste finlandaise Helene Schjerfbeck nous racontent sa relation avec le deuil et l’isolement, explique Fisun Güner.
Ce pourrait être un masque de mort, cette tête sans chair aux yeux creusés. Quelques traits brisés dans du charbon de bois mou, le visage désincarné s’incline légèrement vers l’avant, suspendu dans l’espace. Il n’ya pas de regard, pas d’auto-examen, ni de conscience d’être l’objet du regard de quelqu’un. La tête et les traits réduits à la taille de cette enveloppe fragile, c’est un portrait incroyablement brut de la ruine humaine; une image abjecte de renonciation. Tout ce qui était à l’intérieur de cette tête impénétrable ne nous est pas accessible.
Dessiné en 1945, peu avant la mort de l’artiste à l’âge de 83 ans en janvier de l’année suivante, il s’agissait du dernier autoportrait dessiné ou peint par Helene Schjerfbeck. Dans une exposition qui présentera pour la première fois le travail de Schjerfbeck au public britannique, ce minuscule dessin s’affiche près d’un portrait tout aussi minuscule que l’artiste finlandaise a tracé à l’âge de la fin de son adolescence ou au début de la vingtaine.
Dans ce premier autoportrait, Schjerfbeck nous considère avec une intensité aux yeux clairs; sa possession de soi évidente. Elle semble regarder le spectateur avec un regard légèrement interrogateur, bien que le spectateur dans cette démonstration assurée d’auto-examen soit, bien sûr, elle-même. Mais ce qui est également clair, c’est qu’elle se voit elle-même comme l’objet du regard de quelqu’un et la rencontre avec une confiance d’acier.
Un monde et une vie à part, ces deux dessins sont actuellement visibles à la Royal Academy of Arts de Londres. Schjerfbeck a eu une longue et prolifique vie, et bien que cette exposition examine de près l’éventail de ses réalisations, il s’agit de ses autoportraits qui paraissent si modernes de manière très déconcertante. Elle les a peintes tout au long de sa vie, mais particulièrement au cours de ses deux dernières années, car elle s’est retrouvée de plus en plus isolée avec son âge et sa santé. La galerie centrale de l’Académie royale est entièrement consacrée à une sélection chronologique d’autoportraits.
«Mon idée depuis le début était de faire des autoportraits dans le cadre de l’exposition», explique James Lewison, qui a organisé l’exposition. « Je pense que tout le travail de Scherfjbeck est issu d’un autoportrait », poursuit-il. «Si vous regardez les portraits ultérieurs [des autres modèles], ce ne sont pas vraiment des portraits psychologiques. Les spectateurs ne vous regardent jamais, ni le spectateur ni l’artiste Schjerfbeck. C’est difficile de pénétrer à l’intérieur d’elles. Il y a cet engagement avec le masquage – avec le maquillage, avec la mode, et nous le voyons dans les autoportraits ultérieurs de Schjerfbeck – qui sort d’une manière tout à fait unique. «
L’exposition Helene Schjerfbeck présente plus de 60 œuvres. Outre les autoportraits, il y a des natures mortes, des intérieurs calmes et des portraits de mannequins, de membres de la famille et d’amis, le tout dans une palette tendre, très nordique. Un portrait de la mère de l’artiste dans une pose latérale élargie se dessine, ainsi qu’un étrange portrait, étrangement sinueux, d’un ancien amoureux, qui a laissé un sentiment de trahison dévastateur lorsqu’il a rompu leur relation.
L’enquête offre un aperçu saisissant de la trajectoire créative d’une artiste qui a commencé sa carrière prolifique en peignant dans le style du réalisme à la française, a montré quelque chose de l’influence des maîtres hollandais et a ensuite pleinement adopté les fresques fraîches, précises et harmonieusement retenues de l’italien. Des artistes de la Renaissance, tels que Piero della Francesca, ont eu jusqu’au bout des couches de peinture pour modifier l’esthétique du vieillissement et de l’âge. Sur demande, elle a même fait de nombreuses copies des peintures de maîtres anciens, y compris Holbein et Velásquez, afin de fournir à son pays des collections qui manquaient de tels trésors et qui pourraient servir de matériel pédagogique.
Moderniste au sens nordique du terme, Schjerfbeck absorbe le pinceau plus souple de l’impressionnisme, l’inquiétante humeur du symbolisme, ainsi que la réduction rude et la quasi-abstraction qui la relie à l’avant-garde parisienne alors qu’elle émerge complètement au XXe siècle. elle n’abandonne jamais les matières traditionnelles. Ceci est commun à beaucoup de ses pairs nordiques – y compris Edvard Munch, avec qui elle a été comparée (du moins en ce qui concerne ses autoportraits).
Par ailleurs, certains de ses portraits ressemblent à ceux de Modigliani, bien qu’elle soit loin d’être imitante. Elle semble avoir trouvé assez rapidement ses marques d’artiste, étudiant à Paris, voyageant en Italie et peignant brièvement, à au moins deux reprises, à St Ives, dans les Cornouailles.
Ironiquement, c’est à St Ives qu’elle a réalisé ce qui est devenu son travail le plus célèbre, encore le plus connu de nos jours. En 1888, elle peint The Convalescent. Elle représente un enfant aux yeux brillants, au teint fébrile et aux cheveux délicatement ébouriffés. Emmitouflé dans des draps blancs et perché sur le bord d’une énorme chaise en tissu, l’enfant attache une seule tige de fleur grêle placée dans une tasse. C’est une image d’espoir, de fragilité mais de résilience. C’est une peinture légèrement sentimentale qui a beaucoup en commun avec les peintures de genre représentant des enfants aux joues roses que les Victoriens aimaient tant. Et pour ce qui est des comparaisons ici, le tableau ne pourrait pas être plus éloigné de l’artiste norvégien The Sick Child, peint trois ans plus tôt.
Mais, à peu près de la même manière que Munch est célébrée en Norvège, Schjerfbeck est l’artiste national de la Finlande, même si, jusqu’à récemment, elle n’était guère connue en dehors des pays nordiques. Elle était de langue maternelle suédoise, qui est encore une langue officielle de la Finlande, et son travail a été acheté très tôt par des collectionneurs privés et des collections publiques en Suède.
Mais c’est à l’Ateneum d’Helsinki, qui fait partie du musée national des arts de Finlande, que la plupart de ses peintures sont visibles. Succès de son vivant, elle était la seule femme artiste à siéger au conseil d’administration de la Finnish Art Society. Cependant, sa première exposition personnelle n’a pas eu lieu avant 1917, alors qu’elle était dans la cinquantaine. En Finlande, elle n’était connue plus avant que dans les années 1980, lorsque les historiennes de l’art féministe ont cherché à sauver des artistes féminines sous-reconnues.
«Ce que nous savions qu’elle cherchait, c’est l’essence de la vie, et sa peinture», explique Anna-Maria von Bondsdorff, conservatrice en chef du musée d’art Ateneum. «D’une certaine manière, vous pouvez regarder ces autoportraits et voir comment ils capturent une essence de la vie. Si vous regardez celui-ci [Autoportrait avec une tache rouge, 1944], il y a un très petit point qui sort de sa bouche – elle est en train de disparaître, mais il y a toujours le point rouge. ”
Lewison soutient de manière convaincante que le travail de Schjerfbeck provient d’un sentiment de chagrin. «Je pense que son travail est très marqué», dit-il. «Et même si elle n’était pas complètement isolée, je pense qu’elle se sentait isolée et c’est ce chagrin qui l’a amenée à se couper la peau.
«Elle a eu cette rupture désastreuse et ces fiançailles… elle a dû s’occuper de sa mère, puis celle-ci est décédée. Elle a perdu son père très jeune et a eu cette incapacité physique suite à un accident survenu alors qu’elle était jeune enfant. Je pense, ajoute Lewison, que toutes ces choses sont entrées dans le mélange.
Helene Schjerfbeck est à la Royal Academy de Londres jusqu’au 27 octobre
