1999, était-elle la dernière grande année du cinéma?

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20 ans plus tard, il est perçu comme un filigrane élevé pour Hollywood, qui n’a pas été égalé depuis. Mais est-ce une évaluation juste ou une fausse nostalgie? Deux auteurs proposent des prises contrastées.

Il y a deux décennies, Hollywood avait une série de films en or. Certains critiques l’ont ensuite qualifiée de meilleure année du cinéma – et d’autres le déclarent comme la dernière grande année. En effet, telle que la discussion l’inspire en 1999, elle fera l’objet d’un débat spécial la semaine prochaine dans le cadre de la saison des films d’été sur les écrans d’été de Film4 à la Somerset House, à Londres. Entre-temps, nous avons demandé à deux écrivains de se demander s’il méritait réellement sa réputation sans égale:

Oui, écrit Nicholas Barber

En plus de faire partie d’une équipe de pub-quiz au moment de nommer The Magnificent Seven, le moment le plus angoissant pour un journaliste est de vous demander ce que vous voyez au cinéma un samedi soir.

Je sais, je sais, cela ne devrait pas être un problème. Si vous regardez plusieurs films par semaine dans le cadre de votre travail, choisissez-en deux ou trois qui valent le prix d’un billet multiplex. Mais au lieu de cela, vous vous trouvez en train de penser, eh bien, X est bon, mais c’est une toute petite étude de personnage en langue étrangère qui existe depuis une quinzaine de jours, donc elle a probablement déjà disparu. Je dois trouver quelque chose qui pourrait en fait apparaître dans un rayon de 10 milles. Et, invariablement, vous finissez par marmonner: « Euh … le dernier Spider-Man va bien. » Pathétique, n’est-ce pas?

Cela a dû être plus facile il y a 20 ans. Si on vous demandait une recommandation en 1999, vous auriez pu parler pendant des heures de la montée d’Indiewood, du boom du DVD qui encourageait les studios à financer des projets décalés au potentiel culte, de la nouvelle vague d’écrivains intelligents et geek -directeurs redéfinissant le cinéma traditionnel, à propos de films novateurs dotés de budgets généreux et de stars de premier ordre, mais aussi alphabètes et aventureux que tout ce qui est présenté dans une maison d’art.

Vous auriez pu mentionner Spike Jonze et Charlie Kaufman, Being John Malkovich, Magnolia de Paul Thomas Anderson, Fight Club de David Fincher, Election d’Alexander Payne, Wes Anderson’s Rushmore, La Matrix de Wachowskis, The Night Sysamalan, Le Sixième Sens de David O Russell, L’espace de bureau de Mike Judge, et – étonnamment – bien plus encore. C’étaient des films si distinctifs, intelligents et vraiment amusants qu’on ne les recommandait pas: on poussait les gens au cinéma, puis on attendait à l’extérieur pour pouvoir discuter de tous les thèmes provocateurs et de la floraison stylistique qui s’ensuivrait.

Cette liste est une preuve suffisante que 1999 est une année cinématographique qui n’a jamais été améliorée – et ne le sera jamais. Et pourtant, sa génération émergente d’auteurs américains très talentueux et confiants n’a pas été toute l’histoire. Avec tous les nouveaux venus du quartier, des réalisateurs renommés sortaient des films qui n’étaient pas tous acclamés à l’époque, mais qui ont acquis une grande valeur: The Insider de Michael Mann, Bringing Out the Dead de Stanley Mann, Eyes de Stanley Kubrick. Wide Shut, The Straight Story de David Lynch, Summer of Sam de Spike Lee, Topsy-Turvy de Mike Leigh, Existenz de David Cronenberg, Le chien fantôme de Jim Jarmusch: La voie du samouraï, Sleepy Hollow de Tim Burton.

Pendant ce temps, les futurs mégastars Gwyneth Paltrow et Cate Blanchett étaient à l’honneur dans The Talented Mr Ripley d’Anthony Minghella, et un autre réalisateur britannique, Sam Mendes, s’est immédiatement hissé au premier rang des studios hollywoodiens avec son film américain Beauty. Le documentaire musical cubain de Wim Wenders, Buena Vista Social Club, a fait sensation. Et les films de genre – thrillers, comédies romantiques, dessins animés familiaux et films d’horreur – n’allaient pas trop mal non plus. 1999 était l’année de l’affaire Thomas Crown, de la momie, de Notting Hill, de Bowfinger, de American Pie, de Drop Dead Gorgeous, de 10 choses que je déteste de vous, de Toy Story 2, du Géant de fer et du Projet Blair Witch.

Si vous regardez assez attentivement, vous pouvez repérer quelques remakes et une suite sur ce menu alléchant, mais ce qui unit presque tous les films cités ci-dessus – mis à part à quel point ils sont formidables – est qu’ils ne réchauffaient pas un concept qui avait déjà servi, encore et encore. Ils étaient originaux. Comment les temps ont changé

Au 21e siècle, les plates-formes de diffusion en continu ont fait du petit écran un foyer d’idées neuves ainsi que d’expériences culturelles communes. Quant au cinéma, il semble qu’il ait attrapé une souche virulente du virus du millénaire. Si 1999 était l’année où tout allait bien, c’était peut-être aussi l’année où tout commençait à aller mal.

La sortie de Star Wars: Episode I – La Menace fantôme a prouvé que des séries longtemps dormantes pourraient être relancées de manière lucrative. Toy Story 2, la toute première suite de Pixar, a prouvé que les suivis de dessins animés ne devaient pas être des films bon marché, mais un phénomène majeur qui faisait tourner de l’argent. The Matrix a prouvé que l’action des super-héros améliorée numériquement pouvait attirer un public de tous les âges. Et le projet Blair Witch a prouvé que l’horreur des images trouvées, en particulier, et l’horreur des microbudgets en général, pouvait être une mine d’or.

Aussi merveilleux que puissent être ces films – à l’exception de la Menace fantôme -, ils ont enseigné à Hollywood des leçons toxiques. Au lieu de continuer à parier sur de jeunes non-conformistes, les dirigeants de studio ont estimé qu’il y avait une fortune à gagner grâce aux superproductions de super-héros, aux suites de Disney, aux franchises respectueuses de la marchandise et aux films d’horreur cheapo. Et c’est ce que nous obtenons en 2019, semaine après semaine. Lorsque quelqu’un demande ce qu’il devrait voir au cinéma, il est tentant de lui dire de regarder plutôt la télévision. 1999 était la meilleure des époques, mais c’était aussi le début de la pire des époques.

Non, écrit Hannah Woodhead

En attente de la scène de Que savent les enfants? Jimmy Gator, légende du jeu télévisé publié en 1999 par Paul Thomas Anderson dans une épopée dramatique, murmure une citation du livre de Bergen Evans, The Natural History of Nonsense, paru en 1946: « Nous sommes peut-être passés avec le passé, mais pas avec nous ». Magnolia est largement citée lorsque les commentateurs culturels ont évoqué les délices de 1999: une année pour le cinéma comme on n’en a jamais vu. La citation d’Evans semble plus presciente que jamais – le passé ne nous a pas échappé et un sentiment de nostalgie collective nous envoie de voyager dans le temps encore et encore jusqu’à il y a 20 ans, alors que la réalisation d’un film semblait plus audacieuse, inventive et finalement transcendante. que c’est aujourd’hui.

    Lorsque nous parlons de 1999 au cinéma, nous parlons principalement d’un canon de films réalisés principalement par des réalisateurs américains de race blanche, de sexe masculin, de classe moyenne ou supérieure.

Bien sûr, 1999 a été une année record pour le cinéma, antérieure à l’obsession hollywoodienne des remakes et reboot, des super-héros et des franchises à perte de vue. Des cinéastes de la relève tels que Paul Thomas Anderson, David Fincher, Spike Jonze et Charlie Kaufman ont créé des œuvres novatrices qui défient le public et sont toujours appréciées, regardées et débattues de nos jours. Eyes Wide Shut, le dernier film de Stanley Kubrick, a fait ses débuts, alors que l’animation a connu un succès critique et commercial dans Toy Story 2 et The Iron Giant. Il n’ya pas de doute que 1999 est une excellente année pour le cinéma, mais l’appeler la dernière grande année revient à nier les progrès remarquables et les changements radicaux que l’industrie a subis depuis.

Lorsque nous parlons de 1999 au cinéma, nous parlons en grande partie d’un canon de films réalisés principalement par des réalisateurs américains, blancs, de classe moyenne ou supérieure. Bien entendu, il existe des exceptions dans The Virgin Suicides de Sofia Coppola (bien que le privilège du nom de Coppola soit inévitable) et dans The Matrix de The Wachowskis ou The Sixth Sense de M Night Shyamalan, mais dans l’ensemble, les films que nous citons aujourd’hui en tant que classiques modernes de 1999 ne sont pas représentatifs du monde dans lequel nous vivons, ni même du monde tel qu’il était cette année-là. Il y a peu de femmes, peu de gens de couleur et peu de cinéastes et d’histoires LGBTQ parmi la légendaire classe des 99, et les films qui représentent ces voix, tels que Mais je suis une pom-pom girl de Jamie Babitt, Kimberly Peirce’s Boys Don’t Cry ou Ratcatcher de Lynne Ramsay, n’ont pas fait de véritables superstars de leurs administrateurs de la même manière que l’ont fait Fight Club ou Being John Malkovich.

« Ils ne se font plus comme avant », résume-t-il le refrain cinglant lorsqu’on parle d’histoire du cinéma. Mais est-ce toujours une mauvaise chose? L’industrie cinématographique s’est construite sur des déséquilibres de pouvoir, qu’ils soient liés au sexe, à la race ou à la sexualité – on a de plus en plus l’impression que nous nous dirigeons vers un endroit où les histoires que nous voyons à l’écran sont plus représentatives de la population qui y vit. le monde. Des réalisateurs tels que Ava DuVernay, Barry Jenkins, Jordan Peele et Nadine Labaki représentent tous l’avenir vers lequel nous nous dirigeons, remettant en question les idées préconçues sur le genre, la forme et le but du cinéma.

Pour souligner que 1999 n’était pas la dernière grande année, il vous suffit de regarder en arrière en 2017, ce qui nous a donné Appelez-moi par votre nom de Luca Guadagnino, La forme de l’eau de Guillermo del Toro, Sortir de Jordan Peele et Lady Bird de Greta Gerwig mais quelques titres. Même en 2019, des films tels que Us et Booksmart ont prouvé leur appétit pour la narration originale, tandis qu’au Festival de Cannes, cette année, Parasite de Bong Joon-ho, Atlantique de Mati Diop et Portrait d’une dame en feu de Céline Sciamma confirment tous que et le film américain n’est pas le dernier rempart du grand cinéma.

La nostalgie est souvent l’ennemi du progrès en matière de culture pop. Nous avons tendance à regarder en arrière avec tendresse ce qui nous a précédé. Corriger les failles de notre mémoire jusqu’au passé est quelque chose qui semble vraiment génial, et même ambitieux. Mais paradoxalement, cette habitude de regarder en arrière est la même impulsion qui a contribué à l’ère des remakes d’actes réels et des concessions sans fin dont se plaignent souvent les nostalgiques du cinéma; il existe une croyance selon laquelle le public veut se familiariser avec l’inconnu. Bien que les films les plus rentables au box-office de nos jours soient invariablement les titres Disney et Marvel, et que les grands studios pourraient certainement prendre plus de risques avec les films et les cinéastes qu’ils défendent, cela ne veut pas dire que le cinéma ne continue pas à pousser plus loin limites.

Nous n’avons que l’embarras du choix entre la pléthore de services de streaming et les semaines où plus de cinq nouveaux films sont sortis dans les cinémas; Le problème, c’est qu’il est souvent difficile de savoir par où commencer et que le public doit chercher plus difficile à trouver un bon cinéma. Le passé n’est pas passé, mais nous avons toujours le présent et l’avenir. Le talent est là, et l’appétit aussi: c’est la complaisance qui menace de tuer la créativité.

Discussion Film4 Summer Screen «1999: La plus grande année de l’histoire moderne du film? à la Somerset House de Londres le lundi

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