Les lieux les plus animés et les plus artistiques de la planète ne sont pas ceux auxquels on pourrait s’attendre.
Il y a une hypothèse que la créativité est une affaire de génie individuel. En vérité, les grandes avancées créatives sont aussi un processus social, qui se produit souvent quand une population diverse se réunit. Historiquement, les villes sont un ingrédient essentiel pour créer un grand art, de l’Athènes classique à la Florence de la Renaissance, en passant par New York d’après-guerre et le swing de Londres.
Et là où vont les artistes, d’autres suivent. Au cours des dernières décennies, le processus de gentrification est devenu bien établi. L’universitaire Richard Florida a popularisé au début des années 2000 la théorie selon laquelle la créativité permettait le développement urbain: bohémiens et artistes s’installaient dans des zones industrielles déshéritées du centre-ville ou abandonnées à la recherche d’hébergements et de studios moins chers. Ils rendent un lieu amusant et intéressant, et les classes moyennes créatives sont ensuite attirées par ces communautés ouvertes d’esprit – ainsi que par la culture et les commodités qui les accompagnent.
Dans son livre de 2017, The New Urban Crisis, en Floride, il a examiné les inconvénients du renouveau urbain qu’il avait préconisé. Il a fait valoir que les grandes villes d’art internationales étaient devenues victimes de leur propre succès, avec une énorme inégalité atteignant des sommets pervers dans les domaines les plus libéraux et les plus créatifs. Les quartiers sont confiés aux banques, aux promoteurs et aux riches. À ce stade, les artistes passent dans un autre arrondissement ou une autre ville.
Mais la carte de l’art international est en train de changer et une nouvelle génération de centres culturels émerge, loin des centres financiers mondiaux, des promoteurs immobiliers et des marchands d’art de premier ordre. Alors qu’un fonds d’affectation spéciale est considéré comme une condition préalable pour le devenir en tant qu’artiste à Londres, New York et Paris, cette nouvelle génération de villes de l’art existe bien au-delà du canon de l’histoire de l’art occidental. Voici cinq villes où la scène créative locale florissante exige une attention internationale.
Mexico
Alors que Donald Trump est obsédé par les murs et les tarifs commerciaux, la créativité de ceux de cette ville n’a jamais été aussi dynamique, et la capitale n’a pas non plus accueilli plus d’étrangers à la recherche d’un lieu où s’exprimer. L’organisation mondiale du design a désigné Mexico comme capitale mondiale du design en 2018, signe de son architecture publique unique, de sa culture visuelle et de son design innovant. Cette ville abrite également des créateurs de mode expérimentaux et des marques de streetwear qui défendent une nouvelle vague de styles sans genre, tels que Industrial Clothing, 1/8 Takamura et PAY’S.
Pour les non-initiés, l’art de Mexico peut être réduit à deux artistes: Frida Kahlo et Diego Rivera. Et si les œuvres des deux artistes sont essentielles, au cours des six décennies qui se sont écoulées depuis leur mort, l’art mexicain a continué d’évoluer, marqué en grande partie par la répression exercée par le gouvernement à la suite du massacre d’étudiants de Tlatelolco en 1968, avant de connaître une renaissance à la fin des années 1980. . Aujourd’hui, l’énergie indéniable de la capitale mexicaine en a fait une ville de prédilection pour l’art contemporain vivant, souvent avec un biais politique sans faille. Avec des expositions de plus de 150 galeries internationales, Zona Maco est devenue une foire d’art essentielle pour les marchands contemporains internationaux, tandis que la Material Art Fair, plus pointue, met l’accent sur les talents émergents
En dehors du circuit des foires, le Museo Universitario Arte Contemporáneo est consacré à la nouvelle culture visuelle du Mexique, tandis que des galeries contemporaines telles que House of Gaga et Kurimanzutto ont fait des vagues sur la scène artistique internationale. Ce dernier représente le colosse d’art mexicain Gabriel Orozco, ainsi que Carlos Amorales. En ce qui concerne la dernière génération de créateurs, Salón Silicón, lancée il y a un peu plus d’un an dans une ancienne laverie, propose un angle féministe et étrange à son programme multidisciplinaire qui suscite la réflexion, tandis que les collectifs Biquini Wax EPS et Ladrón deux acteurs formidables de la scène contemporaine. Stendhal Store – une boutique de concept minimaliste et androgyne – propose les marques de design les plus expérimentales du Mexique.
Les touristes restent maintenant dans la ville pour s’imprégner de la scène créative
« Nous ne sommes pas fermés avec nos idées, nous allons donc toujours rester ouverts et trouver des moyens de tout faire », explique Sharon Drijanski, propriétaire du concept store The Feathered dans le quartier huppé de Polanco à Mexico. Elle ajoute que, tandis que les touristes se posaient à l’aéroport et se dirigeaient vers les plages, ils restent maintenant dans la ville pour s’imprégner de la scène créative: «Je vois un intérêt pour Mexico que je n’avais jamais vu auparavant. »
Sharjah
Souvent éclipsé par ses voisins plus voyants, Abu Dhabi et Dubaï, Sharjah a enfin la chance de briller – grâce à son cheikh au penchant pour l’art et la poésie et sa famille créative. Comme les autres émirats, il est dirigé par une monarchie héréditaire; Sheikha Hoor Al Qasimi est la plus jeune fille du souverain de Sharjah, Son Altesse Sheikh, le Dr Sultan bin Mohammed Al Qasimi. Artiste et curatrice formée à Slade, elle a repris la biennale il y a 16 ans. Mais alors que les grandes marques d’art telles que le Guggenheim et le Louvre se sont installées ailleurs dans les Émirats arabes unis, Sharjah fait les choses un peu différemment. La durabilité et la conception consciente sont les atouts de la ville. Sharjah a pour objectif d’éliminer les sites d’enfouissement d’ici 2020.
La ville est réputée pour être un lieu aux Émirats arabes unis pour la créativité et un agenda culturel de pointe. Depuis quelques années, son calendrier culturel s’épanouit, avec des événements tels que la Biennale de Sharjah pour les arts contemporains, une biennale de graphisme récemment lancée. et le festival des arts islamiques. La Sharjah Art Foundation, dirigée par Hoor Al Qasimi, est une plaque tournante de l’art contemporain dans la région. Activités telles que la Biennale, un festival de film, le financement de résidences d’artistes locaux et internationaux, un festival de film expérimental, des studios d’artistes et l’île d’art Al Noor.
L’édifice hautement Instagram, Rain Room, est une œuvre d’art expérimentale de Hannes Koch et Florian Ortkrass, qui a été intégré à la collection de la Sharjah Art Foundation en 2018 et a été le premier d’une série d’espaces permanents conçus par des artistes et conçus pour Sharjah. Al Rawi – une librairie, un restaurant et un espace de création nouvellement ouvert conçu par Pallavi Dean – est devenue un centre élégant pour la communauté des designers de la ville.
La première biennale du design graphique de Fikra, organisée par le studio de graphisme et la plate-forme d’éducation de Fikra, s’est déroulée en novembre dernier dans une ancienne banque abandonnée des années 1970, composée de 40 designers de 20 pays. Son fondateur, Cheikh Salem Al-Qasimi, a déclaré que la ville avait changé rapidement au cours des dernières années. Il recommande la région de Muweilah, qui se trouve près de la ville universitaire. «La ville universitaire de Sharjah, qui était presque la fin de la ville, est maintenant le nouveau centre-ville. Il a une ambiance plus jeune, par opposition au vieux quartier charmant de Heart of Sharjah », dit le Sheikh. En plus des espaces artistiques de la Sharjah Art Foundation et du Sharjah Art Museum, il recommande le Centre d’art Maraya et le 1971 Design Space pour l’art et le design contemporains. Parmi les créatifs basés à Sharjah qu’il recommande, citons Ammar Kalo, architecte et designer, le photographe Ammar Al Attar et l’artiste Nasir Nasrallah.
Belgrade
Longtemps séparée des mouvements internationaux, Belgrade est à nouveau une plaque tournante de l’art contemporain en Europe. La Serbie est en voie d’ascension vers l’UE et sa capitale, Belgrade, a un moment. Alimentée par une culture de jeunesse dynamique, la ville est en train de devenir la première destination mondiale en matière de vie nocturne grâce à une scène de soirées allant des gitans au hip-hop serbe. C’est aussi une destination pour les amateurs d’architecture brutaliste.
C’est peut-être en raison de son isolement des tendances internationales de l’art au cours des décennies qui ont suivi et après les guerres des Balkans dans les années 90 que les écoles d’art locales ont adopté une approche axée sur l’artisanat, ce qui confère à l’œuvre une qualité particulière. Shamliza est un showroom de design proposant des objets et du mobilier de designers serbes, tandis que Supermarket est un concept store alliant mode, design, art et gastronomie slave.
October Salon, la biennale d’art contemporain de la capitale serbe, a attiré l’attention de la communauté artistique internationale en accueillant Yoko Ono et en exposant des œuvres d’Anselm Kiefer, Takashi Murakami et Olafur Eliasson, aux côtés d’artistes serbes, notamment Nina Ivanovic, Aleksandra Domanović, Ivan Grubanov et Maja Djordjevic.
Les galeries de Belgrade se concentrent de plus en plus sur de nouveaux arts
Alors que le Musée d’art contemporain récemment rénové de Belgrade – où la performeuse supra-vedette serbe Marina Abramovic s’apprête à faire une rétrospective plus tard dans l’année – présente une grande partie des œuvres créées à l’époque yougoslave, les galeries de Belgrade se concentrent de plus en plus sur de nouveaux arts produits Serbie maintenant. Les galeries telles que Drina, Eugster et Laufer sont des destinations recommandées pour absorber la scène créative vibrante de la ville. Des espaces gérés par des artistes tels que U10 s’attachent à nourrir les talents locaux et à leur donner une plate-forme mondiale, tandis que la briqueterie abandonnée Ciglana est un centre de la scène street-art à Belgrade.
Dakar
Avec 60% de sa population âgée de moins de 25 ans, l’Afrique est le plus jeune continent de la planète. Grâce à sa culture du surf toute l’année, à sa vision de l’engagement politique et à sa scène artistique florissante, Dakar est au centre du séisme de la jeunesse. La capitale du Sénégal est la ville la plus à l’ouest du continent africain et un foyer pour la nouvelle génération d’artistes, de designers et d’étudiants. En 2022, la ville sera le premier site africain des Jeux Olympiques de la Jeunesse.
Fondée en 1989, Dak’Art est la plus ancienne biennale d’Afrique et se concentre sur l’art et la littérature contemporains. Cet événement qui dure un mois est la scène artistique contemporaine majeure en Afrique et se concentre de plus en plus sur la scène des galeries émergeantes au Sénégal. La Fashion Week de Dakar, en juin, est un autre événement qui attire de plus en plus l’attention de la communauté internationale de la mode. Plus de 30 stylistes y participent. Reconnue pour son streetwear surréaliste et ses textiles traditionnels, la créatrice de mode sénégalaise Selly Raby Kane compte Beyoncé et Naomi Campbell parmi ses fans. Bantu Wax, fondée par Yodit Eklund, est une marque de surf fabriquée en Afrique qui célèbre la culture hip-hop de Dakar. Le photographe Omar Victor Diop est un autre créatif à connaître. Son travail éblouissant mêle les portraits traditionnels de l’Afrique de l’Ouest à la culture populaire contemporaine.
Le Musée des civilisations noires, inauguré en décembre 2018, a pour objectif de redéfinir la compréhension de l’histoire africaine ainsi que de l’art contemporain africain et de la diaspora. Le musée se concentre sur le travail avec des artistes vivants et son mandat de commissaire est d’être une «réponse politique, culturelle, artistique et économique de la« négritude »contre la dévaluation technologique et culturelle des civilisations noires». Le programme du musée comprend également la contribution de l’Afrique au développement de la science et de la technologie. Les rues de Dakar sont parsemées de galeries et d’espaces artistiques passionnants. Pour l’art contemporain ouest-africain, la galerie Cécile Fakhoury, ouverte à Dakar en 2018, est l’endroit à connaître. La majorité des artistes sénégalais qu’il représente, tels que Kassou Seydou, du Dakar, se concentrent sur la complexité de l’histoire et de l’identité nationale de leur pays. À noter également Raw, qui est un centre culturel pour «l’art, le savoir et la société» et un espace de réflexion critique sur la pratique artistique.
Au-delà de Dakar se trouve la communauté artistique Thread du village de Sinthian, dans une région rurale du Sénégal, soutenue par la Fondation Josef and Anni Albers et inspirée par l’influent Black Mountain College aux États-Unis. Son programme d’artistes en résidence a accueilli des artistes tels que l’artiste Tomma Abts et la designer Grace Wales Bonner.
Bangkok
Plus de 8 millions de personnes vivent dans cette ville chaotique de béton et de néons en proie à des tensions politiques. À travers le rap, le graffiti, l’art contemporain et la photographie, les créatifs thaïlandais s’opposent de plus en plus à la censure. Une nouvelle génération d’artistes et de curateurs rassemble le courage de s’exprimer de manière nouvelle et subversive et a trouvé sa voix en créant un mouvement artistique anti-dictature. Les clips vidéo du collectif Rap Against Dictatorship critiquent le gouvernement thaïlandais et ont été vus plus de 50 millions de fois sur YouTube, tandis que les œuvres politiquement chargées d’artistes de rue comme Alexface et Headache Stencil ont été acclamées par la communauté internationale.
La première Bangkok Art Biennale a eu lieu en 2018, tout comme Ghost 25:61, un festival de performances et de vidéos créé par l’artiste thaïlandais Korakrit Arunanondchai. Des galeries telles que la Bangkok CityCity Gallery, le TARS, le 100 Tonson, le Cartel Gallery, le VER Project (fondé par l’artiste Rirkrit Tiravanija) et le complexe N22 ont permis à la ville de devenir un lieu privilégié pour découvrir la scène artistique contemporaine la plus pointue et la meilleure de l’Asie. ont des artistes dont Dusadee Huntrakul, Orawan Arunrak et Miti Ruangkritya.
«Le régime politique répressif actuel est à l’origine de divisions extrêmes», déclare Somrak Sila, cofondateur et conservateur du WTF Bar and Gallery. «[Cependant] lorsque la société deviendra répressive, les arts et la créativité commenceront à prendre leur essor. De plus en plus de galeries d’art se sont ouvertes ces dernières années. Nous réalisons que l’art est l’outil le plus subtil pour aborder des sujets sensibles ou poser des questions qui pourraient ne pas être autorisées dans la société totalitaire ». Sila recommande B-Floor Theatre, une petite compagnie de théâtre autofinancée; Elle dit que leurs œuvres sont «uniques, bien pensées et utilisent souvent des matériaux relatifs aux problèmes politiques et sociaux de la Thaïlande pour remettre en question la valeur de la société».
